Organisation pédagogique et catalogue des cours de l'option art à l'ÉSAD Grenoble

Premier cycle - option art

Par nature, l’option Art a vocation à former des artistes – ou du moins à en favoriser l’émergence. Tenant le plus grand compte de la personnalité de chacun, elle s’attache à donner à l’étudiant les moyens d’assumer une position d’artiste, tant dans la maturation d’une œuvre personnelle que dans la capacité à se situer dans le contexte historique, social et économique de l’art contemporain. L’option Art fédère des formes d’expression multiples et variées.

Procédant par approches successives, l’étudiant doit autant développer un regard global sur le monde que savoir produire des réalisations singulières. S’engageant dans ce parcours difficile, il questionnera régulièrement ses certitudes et ses savoirs, les enjeux théoriques et pratiques de l’art historique et actuel, et il devra non seulement expérimenter la diversité des médiums contemporains, mais aussi maîtriser des outils techniques, technologiques et conceptuels.

L’option Art constitue donc de facto une formation de haut niveau, aussi bien aux outils et aux modes de pensée utilisés dans le champ de l’art, des plus traditionnels aux plus contemporains, qu’aux diverses professions du monde de l’art, qu’aux métiers de l’enseignement artistique, de la production et de la médiation culturelle.

L’art contemporain réclame de ses acteurs beaucoup de qualités, de responsabilités, d’esprit d’initiative, de professionnalisme et d’engagement dans la création. Une option Art, parce qu’elle est le lieu de la recherche, de l’expérimentation et de l’hétéronomie généreuse, est donc le terrain même où se cultivent avec exigence les revendications de cet art contemporain. C’est pourquoi l’option Art de l’ÉSAD •• a fait le choix d’une formation pluridisciplinaire, marquée par la diversité et la polyvalence, d’une formation à la fois généraliste et personnalisée, mais toujours professionnalisante.

ANNÉE 1

Liste des unités d'enseignements

Semestre 1
UE1 : Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques – 18 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 10 ECTS
UE3 : Bilan du travail plastique et théorique – 2 ECTS

Semestre 2
UE1 : Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques – 16 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 10 ECTS
UE3 : Bilan du travail plastique et théorique – 4 ECTS

Grille d'évaluations année 1 - semestre 1

UE1 Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques

Atelier Recherche et Création - Documenter le monde (F.N.)

Atelier Recherche et Création - Playlist Remix (M.T.)

Méthode d’enseignement :

Recherches individuelles et collectives, ateliers pratiques, discussions de groupe, séances d’écoutes, séances de lectures, production d’objets rendant compte de la recherche, exercices de courte et de longue durée, présentation publique.

Avec également :

Une résidence de recherche de 6 jours avec 6 étudiant·es de l’ARC à Centrale Fies – Centre de recherche sur les pratiques performatives contemporaines, avec un workshop animé par l’artiste Publik Universal Frxnd (octobre 2025)

Un workshop de transmission à l’ARC par les étudiant·es ayant participé à la résidence

Un workshop de drag imaginé avec les étudiant·es Emmanuel·le Garin et Faustine Stricanne

Un·e ou deux invité·es pour un ou deux workshops

Objectifs du cours :

Ce programme conjoint se concentre sur les pratiques performatives et musicales en tant que formes de narrations expérimentales, et explore leur lien avec les récits collectifs traversés par les affects, les passions sociales et les enjeux de la critique politique.

Démystifier la performance

Produire ou interpréter des formes, gestes, textes, chansons, etc.

Travailler des formats de collaboration et/ou en collectif

Contenu du cours :

En partant de la place que la musique occupe dans nos mémoires et de la manière dont elle structure nos souvenirs, l’ARC Playlist Remix 2 s’inscrit dans le cadre du programme de recherche What’s love got to do with it?, qui explore comment nos émotions nous informent sur le monde et comment, en tant qu’artistes, nous pouvons apprendre de la façon dont ces émotions génèrent des récits. Avec les intervenant·es invité·es, nous nous pencherons également sur les pratiques musicales ou performatives, ainsi que sur les notions de spectacle et de fête.

*Sur la résidence de recherche collective à Centrale Fies :

Une résidence au Centre de recherche sur les pratiques performatives contemporaines Centrale Fies(https://www.centralefies.it) constituera l’activité d’ouverture du parcours Performance, du lundi 6 au samedi 11 octobre 2025.

L’objectif est de vivre une école de performance de 5 jours dans ce contexte professionnel situé dans une ancienne centrale hydroélectrique, près de Trente, en Italie (https://www.centralefies.it/building/). Ce lieu accueille un festival de performance depuis plus de 45 ans et collabore avec des écoles telles que le Dutch Art Institute (Amsterdam/Arnhem) et ISAC – Académie des Beaux-Arts de Bruxelles.

Cette résidence permettra notamment :

Une formation aux outils techniques d’un plateau scénique (lumière, son) avec un technicien de Centrale Fies
Un workshop avec l’artiste Publik Universal Frxnd (alias Richard John Jones), basé·e à Amsterdam, dont la pratique queer articule performance et musique

Modalités et critères de l’évaluation :

Présence, assiduité, engagement dans le projet, régularité de la participation, qualité des recherches et soin dans la mise en œuvre, prise de parole, prise de décision, inscription dans la dynamique collective de l’atelier.
L’évaluation portera également sur les méthodes développées au cours de l’ARC et sur la qualité des productions plastiques.

Atelier Recherche et Création - Confluence (E.H.)

Méthode d’enseignement :

Conférences et cours en atelier à l’école.
Projections de films, lectures, écoutes.
Visites de lieux en rapport avec la recherche.
Travail photographique et vidéographique sur sites.
Exposition dans la galerie de l’école.

Objectifs du cours :

Eau qui médite, enclos du temps.

Paupière close. Un silence qui écoute.

Eric Hurtado

Questionner par la photographie et la vidéo le territoire d’une rivière, son bassin, son déploiement, sa confluence avec l’activité humaine. Nous questionnerons également notre conscience de celle-ci, confluence elle-même de l’existence de la rivière avec notre regard. La question du réel, toujours, rivière qui coule et semble fixe.

« L’image est au confluent de la lumière venue de l’objet et de celle qui vient du regard. » PLATON

Contenu de cours :

L’Arc débutera par la projection de Stalker, d’Andreï Tarkovski, film questionnant la réalité d’un territoire et la conscience des inventeurs de celui-ci (au sens réunissant découverte et invention, justement arcane fondamental de la quête photographique.)

Suivront deux journées de rencontre et d’atelier photographique avec le photographe Jean- Marc Blache, qui a photographié l’eau sous toutes ses formes, de la glace à l’exploration sous-marine dans de nombreux pays. Il nous accompagnera lors d’une séance de prises de vues sur le territoire du Drac, au sud de Pont-de-Claix et pour la restitution des travaux.

Chaque quinzaine, en semaine B, une des deux journées de travail de l’Arc sera consacrée à une sortie de prises de vues en extérieur sur le thème de l’eau.

Un voyage pédagogique est également prévu dans le Vercors à la grotte de Choranche.

Une exposition des travaux réalisés se tiendra à l’issue de l’Arc dans la galerie de l’École.

Modalités et critères de l’évaluation :

Contrôle continu et bilan d’ARC en fin de semestre. Assiduité, inscription dans la dynamique du groupe, pertinence et originalité des travaux, qualité de la recherche, présentation de ceux-ci et mise en espace. Inscription théorique et pratique du travail dans un parcours de pensée en évolution (et en révolution).

Repères bibliographiques / références :

Films :

Andreï Tarkovski, Stalker

Werner Herzog, Aguirre, la colère de Dieu

Michelangelo Antonioni, Gente del Po

Désert Rouge

Jean-Luc Godard, Opération Béton

Jean Giono, L’eau vive

Livres :

Robert Adams, En longeant quelques rivières, Actes Sud

Raymond Depardon, Errance. Points/Seuil

Roland Recht, La lettre de Humboldt, Christian Bourgois

Eric Hurtado, Ouvert, un chemin du visible, Pays d’Art et d’Histoire

Atelier Recherche et Création - Sphère (B.J.)

Méthode d’enseignement :

La sphère est un concept formel. Cet ARC est donc une proposition pour investir une forme dont la dynamique globale, sur le artistique, est abstraite. Mais l’idée de sphère est susceptible de s’imprégner d’éléments variés, comme celui de l’écologie par exemple (la terre est un écosystème sphérique), ou par des investigations fictionnelles (Sphère est le titre d’un film de science-fiction).
L’idée de sphère peut être investie de façon diverses : sur des supports digitaux (film, 3D), ou matériel (peinture, installation, photographie, performance). L’IA peut également être utilisée.

Objectifs du cours :

Cet ARC vous invite à plonger dans l’univers de la sphère, une forme universelle qui traverse l’art, la science, la philosophie et la nature. Symbole d’harmonie, de perfection et d’unité, la sphère est aussi une métaphore puissante pour réfléchir à la fragilité de notre planète Terre, un écosystème menacé par les activités humaines. À travers cet ARC, vous explorerez les dimensions formelles, symboliques et écologiques de la sphère à travers une œuvre ou plusieurs dans le médium de votre choix : dessin, peinture, sculpture, installation, photographie, performance, multimédia, vidéo, 3D. Cet exercice est une occasion de conjuguer réflexion conceptuelle et engagement environnemental.

Contenu du cours :

Objectifs pédagogiques

Explorer les caractéristiques formelles et esthétiques de la sphère.
Intégrer une réflexion écologique en lien avec la Terre, sphère fragile et écosystème précieux.

Thèmes d’exploration autour de la sphère

La sphère, par sa simplicité et sa perfection, offre une multitude de pistes à explorer dont voici quelques exemples : :

Forme et esthétique : géométriquement, la sphère est la forme la plus équilibrée, où chaque point de sa surface est équidistant de son centre. Dans l’histoire de l’art, elle inspire des œuvres architecturales (comme les dômes de Brunelleschi) ou sculpturales (les sphères polies d’Anish Kapoor). Comment pouvez-vous jouer avec la tridimensionnalité, les reflets, les ombres ou les illusions optiques pour réinterpréter la sphère ? Considérez les jeux de lumière, de texture ou de transparence dans votre travail.
Symbolisme et philosophie : La sphère a longtemps incarné l’idée de perfection et d’infini. Pour les anciens Grecs, elle représentait le cosmos, une harmonie universelle. Dans l’art contemporain, elle peut évoquer l’unité, l’isolement ou la cyclicité du temps. Pensez aux installations immersives de Yayoi Kusama, où les sphères répétées créent un sentiment d’infini.
Écologie et fragilité planétaire : La Terre est un écosystème complexe et vulnérable, confronté à des défis comme le changement climatique, la déforestation et la pollution. En tant qu’artistes, vous pouvez utiliser la sphère comme une métaphore pour alerter sur ces enjeux. Pensez à des matériaux de récupération ou à des installations qui évoquent la fragilité de notre environnement.

Modalités et critères de l’évaluation :

Format : Œuvre physique ou numérique.
Recherche préparatoire : Au début de l’ARC, un moment d’échange qui s’appuiera sur une présentation visuelle d’images vous proposera des pistes de travail à travers la présentation d’un certain nombre d’exemples. Le domaine de l’art est privilégié mais il sera aussi question d’architecture, selon un choix lié à la forme sphérique. Lors de cette phase préparatoire, vous ressemblerez des références visuelles, textuelles ou conceptuelles dans un carnet de recherche pour trouver votre ou vos idées. Nous discuterons ensemble de ces projets et vous passerez ensuite à la réalisation.
Production : vous aurez tout le premier semestre pour mettre au point votre réalisation. Vous produirez une œuvre dans le médium de votre choix. Il sera possible d’effectuer plusieurs travaux ou un seul s’il est suffisamment complexe pour justifier cette durée dans le temps.
Dimension écologique : Intégrez une réflexion sur l’environnement, que ce soit par le choix de matériaux durables, un message visuel sur la crise climatique ou une œuvre qui incite à repenser notre relation à la Terre.
Rythme des échanges : Je serai présent les lundi et mardi selon l’emploi du temps auquel vous devrez vous référer pour être présents à chaque fois. Les rencontres se feront de préférence de façon collective mais auront lieu également à travers des entretiens individuels.
Présentation / évaluation : Fin janvier, vos œuvres seront accrochées lors du bilan à travers un accrochage collectif dans notre salle allouée à l’ARC et donneront lieu à un échange de points de vues et d’analyses.

METHODOLOGIE :

Dessin/peinture : vous expérimenterez la forme de la sphère selon vos aspirations formelles. Les supports meuvent varier, pensez à expérimenter d’autres surfaces que le papier ou la toile.
Sculpture/installation : vous utiliserez des matériaux disponibles à l’atelier de l’école ou des matériaux de recyclage que vous aurez glané (plastique, métal, bois) ou éphémères (terre, papier) pour construire une sphère ou une composition sphérique. Vous pourrez intégrer des projections, des sons ou des animations pour créer une expérience immersive autour du thème. Dans ce sens, pensez également à solliciter le matériel disponible dans le domaine de la lumière dont dispose l’école.
Photographie/vidéo : jouez sur des paramètres de cadre, de lumière, pour construire des images dont la structure principale est sphérique. Le montage de films pourra se faire sur Final cut Pro ou Da Vinci Resolve.
Performance : Les scénarios sont ouverts : mouvements circulaires, répétition, etc. (voir Abramovic et Ulay).

Repères bibliographiques / références art et architecture :

ART :

Anish Kapoor : Ses sculptures sphériques, comme Cloud Gate, jouent avec les reflets et la monumentalité pour transformer l’espace et la perception. Sa série Sky Mirror présente également des surfaces paraboliques et circulaires.
Tara Donovan : Une artiste américaine qui utilise des matériaux du quotidien (gobelets, pailles…) pour créer des installations organiques évoquant des formes sphériques ou cellulaires.
Michelangelo Pistoletto : sa performance Newspaper Sphere interroge l’accumulation et la boulimie d’information à travers un processus d’accumulation performative.
Marina Abramovic / Ulay : Relation dans le mouvement – une performance historique entre le mythe de Sisyphe (Camus) et celui de l’Eternel Retour (Nietzsche).
Yayoi Kusama : connue pour ses motifs à pois omniprésents, elle utilise la forme ronde dans ses peintures, sculptures et installations immersives, créant des expériences infinies et psychédéliques.
Olafur Eliasson : artiste danois-islandais qui explore souvent les formes géométriques, y compris la sphère, dans des installations qui jouent avec la lumière, la perception et les phénomènes naturels. Son œuvre The Weather Project avec son immense soleil artificiel sphérique en est un exemple marquant.
Richard Long : associé au Land Art, il utilise souvent des formes géométriques simples trouvées dans la nature, comme des cercles de pierres.
Michel Verjux : Un artiste visuo-spatial contemporain, poète et théoricien de l’art, mentionné ici pour ses sculptures de lumière utilisant des projections minimalistes rondes pour des expériences physiques utilisant l’espace et l’architecture comme support.
Les artistes de l’Op Art (comme Victor Vasarely) : Bien qu’ils aient exploré diverses formes géométriques, le cercle et les formes rondes étaient essentiels pour créer des illusions d’optique de mouvement et de profondeur.
Xavier Veilhan : artiste français aux registres étendus mentionné ici essentiellement pour ses mobiles inspirés de Calder, entre équilibre et déséquilibre, dont la finalité se situe peut-être dans un processus de déstabilisation de la sculpture.
Karina Smigla Bobinsky, artiste germano-polonaise, mentionnée ici pour son installation interactive de 2018 présentant une sphère dans une pièce vide manipulable par les visiteurs.

ARCHITECTURE :

Antti Lovag : l’architecte des maisons bulles, précurseur de la blob architecture et de l’architecture organique.
Cabinet d’architecture Populous Severud Associates : La sphère de Las Vegas et son ingénierie de science-fiction.
La Blob architecture : un terme donné à un courant architectural dans lequel les bâtiments ont une forme organique molle et bombée, comme de grosses amibes.

Artistes dans l’Histoire :

Sandro Botticelli : Dans sa peinture La Madone du Magnificat, la forme circulaire (du tondo, support rond) encadre la Vierge et les anges, une forme courante à la Renaissance pour les sujets religieux.
Jérôme Bosh : La création du monde.
Ingres : Le bain turc, autre référence célèbre de peinture peint sur un tondeauen tant que peinture ronde, en écho aux rondeurs des corps.
Fernand Léger : Au début du 20e siècle, il a intégré des formes cylindriques et circulaires dans son travail, décomposant les objets en éléments géométriques. Son tableau Les Disques dans la ville en est un exemple.
Robert Delaunay et Sonia Delaunay : Pionniers de l’Orphisme, un dérivé du cubisme, ils ont utilisé des disques de couleurs et des formes circulaires pour explorer la lumière et le mouvement.

Cette liste n’est pas exhaustive. D’autres artistes seront présentés comme sources d’investigation et d’inspiration lors du commencement du workshop à la rentrée.

Annexe : La Sphère comme exploration artistique : une lecture à travers Peter Sloterdijk

Dans sa trilogie Sphères, le philosophe Peter Sloterdijk propose une réflexion profonde sur cette forme, non seulement comme objet géométrique, mais comme métaphore de l’existence humaine, de l’espace et des relations. Ses idées offrent un cadre conceptuel riche pour explorer la sphère en tant que motif, symbole et espace de création.

Sloterdijk décrit la sphère comme une structure fondamentale de l’être-ensemble : L’homme est l’animal qui vit dans des sphères qu’il produit lui-même (Bulles, 1998). Cette idée invite les artistes à envisager la sphère non pas comme un simple volume, mais comme un espace de vie, un contenant intime où se tissent des relations. Dans ce sens, vous pourrez explorer des installations sphériques, jouant avec des matériaux transparents ou opaques pour exprimer cette tension entre intériorité et extériorité.

Les sphères sont des globalisations réussies, des mondes en miniature (Globes, 1999). Cette citation peut inspirer des œuvres qui questionnent l’idée de globalité : une sphère peut-elle contenir le monde ? Les étudiants peuvent créer des microcosmes sphériques, intégrant des fragments d’images, de sons ou d’objets, pour réfléchir à l’ambition de l’art de représenter l’universel à travers une forme finie.

Enfin, dans Écumes, Sloterdijk introduit la notion de sphères multiples et interconnectées : Nous vivons dans des écumes, des agrégats de sphères qui se touchent sans se fondre (Écumes, 2004). Cette image d’écumes, où chaque sphère est à la fois autonome et liée aux autres, pourrait guider des projets collectifs. Cette idée peut également s’envisager sous une forme plastique en deux dimensions, peinture, dessin…

En somme, la sphère, chez Sloterdijk, est bien plus qu’une forme : elle est un espace philosophique, poétique et relationnel. En s’appuyant sur ces concepts, vous pourrez explorer des médiums variés (sculpture, performance, installations immersives) pour interroger la sphère comme lieu de protection, de rêve ou de tension.

Atelier Recherche et Création - Art and the city (S.S.)

Atelier Recherche et Création - Le Banquet (P.R. & C.B. & A.O.)

Méthode d’enseignement :

Proposer des situations autour du repas lors desquelles les étudiant·es sont invité·es à répondre systématiquement. Mise en place d’exercices réguliers et création de protocoles autour de la cuisine. Les temps de cuisson, le dressage de la table, l’assaisonnement d’un plat seront des moments pédagogiques parmi d’autres.

Objectifs du cours :

Tous les mardis, développer collectivement des temps de recherche, de discussion et de création dans le cadre d’un repas. Faire la cuisine, manger ensemble, la digestion comme expérience simultanée, la vaisselle et le rangement seront les principaux objectifs de l’ARC. Mettre en œuvre le Symposium de fin de semestre en tant que forme artistique collective.

Contenu du cours :

Tous les mardis s’organiseront autour des repas de midi, depuis le matin jusqu’au milieu de l’après-midi. Les déjeuners du mardi midi feront partie de l’ARC, chacun·e ramènera des ingrédients. Nous élaborerons des repas thématiques en questionnant l’économie d’un repas, les manières de faire, l’hospitalité. Nous pratiquerons l’art de la conversation, réfléchirons au vocabulaire de la cuisine dans sa polysémie, nous pratiquerons le “toast” comme forme poétique etc. Quelle différence entre faire la cuisine dans un restaurant, faire la cuisine pour ses amis, faire la cuisine dans une école d’art? Quelle différence entre manger au restaurant, manger chez soi, manger dans une école d’art?

Chaque séance permettra de proposer des formes et préparera la séance suivante.

L’ARC sera aussi le laboratoire de préparation du Symposium qui se tiendra dans la Grande Galerie de l’ESAD le 13 janvier. Nous adresserons des invitations à des personnes choisies, élaborerons un menu et un programme de formes, de gestes et de prises de parole.

Modalités et critères de l’évaluation :

Participation à l’ensemble des temps de l’ARC sans exception et à l’organisation du Symposium du 13 janvier.

Repères bibliographiques / références :

-Karen Blixen, Le dîner de Babette, 1961 (1ere ed. danois 1958).

-Ludovic Burel, Le laboratoire de fermentation, it: éditions, 2025.

-Sally De Kunst et al., This Book is yours. Recipes for artistic collaboration/Recettes pour la collaboration artistique, Art&Fiction publications – Vexer Verlag, 2019.

-Thien Uyen Do, Fermentation rébellion, édition des Equateurs, 2024.

-Marguerite Duras, La cuisine de Marguerite, B. Jacob, 1999.

-Claire Gausse, Louise Drulhe, Cantines de quartier : la recette du lien, éditions 369, coll. Manuels, 2018.

-Emmanuel Guillemain d’Echon, Raviolivre. Le tour du monde d’un fou de raviolis. Routes, recettes et tours de main, Keribus Éditions, 2024.

-Dorothy Ianonne, A CookBook, (edition anglaise), Presses du Réel, 2019.

– Lauren Malka, Mangeuses : histoire de celles qui dévorent, savourent ou se privent à l’excès, ed. les Pérégrines, 2023.

-Gaëlle Ronsin, Ajouter un couvert pour l’anthropologue, Les éditions de l’épure, 2024.

– Niki Segnit, Le répertoire des saveurs, Marabout, 2012.

-Yoann Thommerel, Manger low cost, édition Nous, coll. Disparate, 2025.

-Alice B. Toklas, Le livre de cuisine d’Alice Toklas, (Traduction de : The Alice B. Toklas cook book), les Éd. de Minuit, 1999.

-Gabriel Axel, Le festin de Babette, 1987 (film).

-Luc Moullet, Genèse d’un repas, 1978 (film).

Atelier Recherche et Création - Bifurcations et chants-photosynthèses (E.D.F.)

Intitulé du cours : ARC : Bifurcations et chants-photosynthèses

À la suite de l’Arc « Ré-ouvrir les futurs » et « Terre-strates-récits », troisième chapitre d’un cycle d’enseignement intitulé “DES CHEMINS HYBRIDES”, Imaginer en 2050 êtres et territoires, entre Trièves et Grenoble.

Intervenant.e.s : Stéphanie Sagot et Pascal Aspe (Ferme des MillePousses). Lisa Panico et Thomas Klein, chargé.e.s de la réouverture au public du Centre horticole de Grenoble.

Méthode d’enseignement :

Dans une approche transdisciplinaire, nous alternerons des sessions d’apprentissage et d’expérimentation dans le Trièves et le Massif du Vercors avec un travail dans les ateliers de l’ÉSAD. Nous bénéficierons d’expériences d’apprentissage et de chantier participatif avec le nouveau projet d’agriculture urbaine de Mille Pousses Grenoble, dirigé par Pascal Aspe. Nous nous rendrons dans le Trièves pour apprendre de la ferme collective Sainte-Luce et puis dans le Vercors pour un arpentage-lecture de paysage et botanique.

Nous continuerons nos échanges et séances d’apprentissage avec le Centre Horticole de la ville de Grenoble, avec lequel est un partenariat est noué.

Un atelier est également prévu avec Stéphanie Sagot, artiste qui explore depuis vingt ans les liens entre environnement, agriculture et alimentation. Chaque étudiant.e travaillera à partir d’un projet personnel. Nous rencontrerons au début de l’anéée l’artiste baniwa et brésilien Denilson Baniwa, qui nous présentera certains de ses travaux en lien avec le végétal.

Durant le semestre, des journées de réflexion et d’échanges seront également co-organisées avec les ARC et les IR de la mention Territoire et Société. Ainsi une rencontre et un temps d’échange est prévue avec l’ARC de Slimane Raïs intitulé « L’Air de rien… ».

Objectifs / contenu du cours :

En menant des recherches sur les spécificités historiques, environnementales et sociales du territoire entre le Trièves et la métropole Grenobloise articulant espaces urbains, ruraux et montagneux, il s’agira d’imaginer à travers objets et fictions futuristes, les liens pouvant se développer entre sculpture, installation, outil agricole et leurs lieux d’activation : l’exposition, le champ et les espaces de collectes et récoltes.

Pour la troisième édition de cet ARC, nous plongerons, en compagnie des intervenant.e.s et partenaires de ce cycles, dans des visions futuristes de possibles hybridations entre plantes et humains. Partant des écrits de Lynn Margulis et Dorion Sagan au sujet de l’apparition de l’Homo photosyntheticus, nous réfléchirons aux multiples scénarios extraordinaires que l’évolution des espèces permet.

Ces recherches nous demanderont une attention aux différentes échelles composant nos mondes. Comment appréhender les points de vue d’un insecte, d’une plante, d’un micro-organisme, d’un oiseau, d’un humain, d’une forêt, d’une montagne, ou d’une bio-région, et quelles manières peut-on hybrider, mettre en commun, et mettre en scène ces différentes corporéités ?

À partir d’une sensibilisation à ces différentes échelles, de quelle manière pouvons-nous penser et raconter les mouvements, les interactions et les migrations des êtres humains et végétaux à des horizons futurs ? Dans le contexte du Trièves et de la métropole de Grenoble, quelles alliances, quels récits, quelles hybridités possibles ?

Ainsi, en apprenant de la botanique et de l’ethnobotanique, en s’inspirant des recherches scientifiques sur l’évolution futur du climat et de l’environnement, sur l’évolution des sciences du vivant, en apprenant de la littérature des imaginaires (ou « science-fiction ») et des multiples formes de l’agriculture et de production de nourriture, nous imaginerons de possibles hybridations entre formes artistiques, agricoles et écologiques.

Dans une conjoncture, où le présentisme, les visions progressistes, spéculatives, ségrégationnistes et productivistes fragilisent fortement des modes de vies à l’échelle locale comme planétaire, il est crucial de ré-ouvrir les futurs et envisager une multitude de possibilités pour un avenir durable et symbiotique, construit d’interactions multiples, d’échanges entre différences, et d’espace de communs.

À l’horizon 2050, quels objets et quelles formes, quelles transformations du territoire, quelles représentations ou expressions peuvent engendrer de telles collaborations ?

À partir de méthodes transdisciplinaire, et à travers ce dialogue entre arts, agricultures et sciences, comment imaginer dans ces futurs des interactions entre un lieu et un territoire (un éco-système, un jardin, un champ, un quartier, une rivière, une intervention artistique in-situ), des objets (œuvres, outil et instrument) et des représentations (récit, narration, mise en scène) ?

Modalités et critères de l’évaluation :

Évaluation continue et présentation des travaux en fin de semestre, capacité à présenter et échanger à l’oral. Présence, assiduité et participation, assiduité, dialogue.

Repères bibliographiques / références :

L’Atelier Paysan, Reprendre la terre aux machines – Manifeste pour une autonomie paysanne et alimentaire, 2021.

Karen Barad, Frankenstein, la grenouille et l’électron. Les sciences et la performativité queer de la nature, 2023

Emma Bigé, Clovis Maillet, Écotransféminismes, Pour des écologies transféministes, 2025

Octavia Butler, Parabole du Semeur, 1993.

Terres et liberté : Manifeste antiraciste pour une écologie de la libération, 2025

Patrick Chamoiseau, Les Neuf consciences du Malfini, 2009

Julie Crenn et Lauriane Gricourt, Artistes et paysans. Battre la campagne, 2024

Tj Demos, Radical Futurisms -Ecologies of Collapse/Chronopolitics/Justice to Come, 2023.

Donna J. Haraway Camille Stories, dans Vivre avec le Trouble, 2016.

Lynn Margulis, Dorion Sagan, L’univers bactériel, 1986

Tim Ingold, Faire : anthropologie, archéologie, art et architecture, 2017.

Robin Wall Kimmerer, Tresser les herbes sacrées, 2013.

Ursula K. Le Guin, La Vallée de l’éternel retour, 1985.

Sébastien Marot, Taking  the country’s side. Agriculture and architecture, 2019

William Morris, Nouvelles de Nulle Part, 1890.

Vandana Shiva, Jacques Caplat et André Leu, Une agriculture qui répare la planète, Les promesses de l’agriculture biologique régénérative, Actes Sud, 2021.

Œuvres et travail de : Atelier Paysan, Inland, Agence Coloco & Gilles Clément, FutureFarmers, Asunción Molinos Gordo, William Morris, Marjetica Potrc, Elisa Strinna, Cooking Sections, Maria Thereza Alves, Åsa Sonjasdotter, Otolith Group, Natsuko Uchino.

Atelier Recherche et Création - L'air de rien (S.R.)

Objectifs du cours :

Dans cet ARC nous nous intéresserons aux éléments naturels et leurs interactions avec la création artistique. Comment depuis des siècles les artistes exploitent dans leurs œuvres les éléments naturels, non seulement comme sujet ou motif, mais aussi, comme matériaux, outils ou comme espace dans lequel s’articulent des formes.

Il est également question de l’air et de l’art. Le premier est l’incarnation de l’invisible, le second, le sacro-saint du regard. Ceci pourrait sembler paradoxal et pourtant ! Bien qu’il puise son langage dans le visible et le tangible, dans un monde où la visibilité est devenu un enjeu majeur de l’existence, la fonction essentielle de l’art ne serait-elle pas de figurer l’invisible ?

De Botticelli a Otoniel, passant par Duchamp, Morris, Barry ou encore Messager, l’art prend parfois de bonnes inspirations pour donner a voir « cela qui ne peut être peint »*.

Plusieurs intervenants, théoriciens et plasticiens, viendront partager leurs expériences et réflexions sur ces questions. Ainsi, nous accueillerons Thierry Davila, historien de l’art, conservateur de musée et commissaire d’expositions, pour une conférence d’ouverture intitulée De l’air.

Modalités et critères de l’évaluation :

Contrôle continu

. Exposition des travaux en fin d’ARC (lieu encore à définir)

. Origine et évolution du projet (évaluation des phases de la recherche et de la production)

. Inscription culturelle du travail (appropriation et pertinence des références)

. Présentation des travaux, mise en espace.

. Qualité des réalisations.

. Relation de travail, présence en cours, engagement.

. Entretien 20 minutes avec l’étudiant lors du bilan. Notation /20

Repères bibliographiques / références :

De l’inframince – Brève histoire de l’imperceptible, de Marcel Duchamp à nos jours. Thierry Davila. Editions du Regard. 2019
Littératures et arts du vide, Sous la direction de Jérôme Duwa et Pierre Taminiaux Édition : Hermann. 2018
La puissance créatrice du souffle, Maurice Fréchuret Edition: Les presses du réel. 2024
Inclusions, esthétique du captitalocène, Nicolas BourriaudEdition : Puf, Perspectives critiques. 2021
L’art a l’état gazeux, Yves Michaux Edition : Stock. 2003

La vérité picturale (S.S.)

Atelier vidéographie (Y.F)

Atelier volume - Corps et mutations (J.S.P.)

Méthode d’enseignement :

En demi-groupes, aux Ateliers tous publics.

Objectifs du cours :

Découvrir et se familiariser avec diverses techniques liées à la reproduction du corps ou certaines parties anatomiques, extrapolez ensuite vers une production innovante : transformation, mutation, hybridation, etc. La réalisation de chaque projet amènera une réflexion plus particulière sur le regard que chacun peut porter sur le corps humain, sur ses libertés, sur ses limites, sur l’utilisation ou le détournement. Quel regard portons-nous sur l’identité ?

Contenu du cours :

Parties pratiques : Découverte et expérimentation de pratique de l’argile (modelage), du plâtre, de l’alginate, du silicone, etc. (Moulage).

Partie théorique : Recherche d’artistes et de courants artistiques qui ont eu comme préoccupation première la représentation du corps, son utilisation, sa diffusion, sa transformation en fonction de votre projet.

Modalités et critères de l’évaluation :

Chaque étudiant-e sera évalué-e sur son assiduité aux cours, sur ses recherches, sur son questionnement, sur la pratique et l’utilisation de matériaux adaptés à son projet final et sur la pertinence de son travail.

Repères bibliographiques / références :

Yves Klein, Orlan, Hermann Nitsztche, Marina Abramovic, Rebecca Horn, Ron Mueck, Pina Bausch, Gunther Von Hagens, Gilbert et George…

Workshop vidéo (A.O. & D.H.)

Travaux d'initiatives personnelles (A.O.)

UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère

Toute l'histoire de l'art ou presque (P.R. & K.S.)

Méthode d’enseignement :
Cours uniquement en anglais en demi-groupe et sous-groupes

Tous les documents et mails d’information sur le contenu et les cours sont rédigés en anglais.

Les cours reposent sur une méthode communicative et une approche actionnelle, favorisant l’interaction orale et l’usage de la langue dans des situations concrètes.

Les activités proposées visent à développer l’autonomie langagière des étudiants à travers des projets, des jeux de rôles, des présentations orales, et des échanges en petits groupes. L’objectif est d’encourager une prise de parole régulière en anglais, en lien avec les projets actuels des étudiants et leur éventuel futur domaine professionnel.

L’enseignement s’appuie sur des supports authentiques et visuels (vidéos, extraits d’interviews d’artistes, portfolio, documents d’exposition) emmené par les étudiant.e.s pour favoriser l’expression et la compréhension. Les étudiant.e.s sont amené.e.s à décrire leur travail artistique, présenter un·e artiste de référence, ou commenter une œuvre, afin de renforcer leur vocabulaire spécifique et leur aisance à l’oral. Une place importante est donnée aux productions personnelles et aux échanges sur la pratique artistique.

Les séances sont conçues selon une pédagogie différenciée, afin de s’adapter à la diversité des niveaux d’anglais. Des activités en binômes ou en petits groupes permettent un apprentissage collaboratif, où les étudiants s’entraident et progressent ensemble pour progresser vers une dynamique de groupe bienveillante et participative.

L’accent est mis sur la communication orale (compréhension et expression), professionnel Des activités de reformulation, de jeu de rôle, et de présentation orale sont régulièrement mises en place pour permettre aux étudiants de gagner en fluidité et en confiance à l’oral.

Objectifs pédagogiques et contenu :

Approfondir leur compréhension des réalités professionnelles des artistes et des designers graphiques à l’échelle internationale.
Consolider leur niveau d’anglais, quel que soit leur niveau d’entrée, afin d’entamer la deuxième année avec les outils linguistiques nécessaires pour parler de leur travail, interagir en contexte professionnel et aborder les grands courants de l’art et du design, contemporains.
Acquérir un vocabulaire technique et spécialisé lié à leur domaine de pratique.
Maîtriser les fondamentaux de la communication orale en anglais : poser des questions, y répondre, interagir dans des échanges variés.
Participer à, ou animer, un entretien professionnel, une table ronde ou une conférence.
Analyser, commenter et situer des œuvres, des expositions ou des événements artistiques, et relier ces éléments à leur propre démarche.
Présenter leur travail personnel de façon structurée et pertinente.
Comprendre et mettre en œuvre les principes d’organisation et de présentation d’une exposition.

Modalités et critères de l’évaluation :
Assiduité – Présence
Participation – Progrès à l’oral en fonction du niveau propre à l’étudiant·e en début d’année
Rendus en fin de semestre – Réalisation d’un vidéo tuto

Repères bibliographiques / références :
Podcasts
The Art Angle – Artnet News
Design Matters – Debbie Millman
99% Invisible – Roman Mars
The Great Women Artists – Katy Hessel
The Black Art Podcast – Darin B.

Newsletters
The Art Newspaper
Contemporary Art

Daily
Hyperallergic
Artsy
Dezeen
Artnet News

Philosophie, théorie et actualité de l'art contemporain : Il n'y a pas de savoir innocent (S.F.)

Méthode d’enseignement :

L’enseignement est organisé sur un planning hebdomadaire : le travail se fait par cours magistraux, accompagnés par des séance de lectures de textes et commentaires d’œuvres. Le moment du cours magistral nous permettra d’établir un terrain de jeu commun, pour permettre aux étudiants de développer des stratégies autonomes d’interprétation des textes et des œuvres.

Objectifs du cours :

Produire un regard général sur le vaste domaine de l’esthétique contemporaine et la culture visuelle et permettre aux étudiants de familiariser avec les outils et la terminologie de la recherche philosophique critique sur la contemporanéité;
dessiner les contours d’une esthétique contemporaine qui dépasse l’approche classique à l’objet artistique et qui s’élargit à des questions anthropologiques, sociales et politiques ;
mettre en valeur la force de certaines notions comme outils herméneutiques qui brisent la frontière entre la théorie de l’art et sa pratique technique ;
affaiblir la frontière disciplinaire entre les différents domaines de la création contemporaine et les sciences sociales;
favoriser la recherche appliquée et la mise en perspective. Des focus sur l’actualité artistique et culturelle sont proposés, permettant de renforcer les notions vues au cours en tissant des correspondances, des filiations et des oppositions entre questionnements actuels et passés ;
affronter la question de l’image et de son efficace à la lumière des réflexions sur le genre, la sexualité, la race et la classe ; comprendre comment et pourquoi la question de l’image reconfigure le débat esthétique contemporaine ; reconstruire la généalogie de la réflexion iconologique ;
comprendre la portée philosophique de la question de l’image, sa contribution à la définition de la culture visuelle contemporaine et sa relation avec le débat actuel sur le virtuel, la culture post-digitale et les subjectivités numériques.

Contenu du cours :

Dans une époque caractérisée par la médiation technologique, par l’abstraction et par une complexité sociale inédite, le recours aux catégories de authenticité, d’organicité ou l’appel à un « retour à la nature » apparaissent politiquement insoutenables (car ces possibilités sont disponibles que pour une portion limitée et privilégiée de la société) mais aussi problématiques du point de vu de leur effectivité à l’échelle globale.

Ce cours est consacré à l’esthétique et à la culture visuelle contemporaines, à leur généalogies, à leur courantes et à leur enjeux: rapports entre théorie et pratique dans la théorie de l‘art contemporain et l’esthétique contemporaine; théories philosophiques de la forme, de l’espace et de l’objet; enjeux de l’esthétique phénoménologique, post-phénoménologique et post-structuraliste françaises; philosophie de l’art américaine de matrice analytique; théories de l’image et des logiques imaginales; théories du visuel; théories du virtuel et des subjectivités numériques post-digitales. Le cours explore en particulier les relations entre ces domaines de recherche et les théories critiques de la technologique et du virtuel, en les contextualisant dans le champ élargi de la pensée critique contemporaine (en particulier méthodologies d’analyse féministes intersectionnelles et décoloniales, théories queer, théories critiques de la race et pensée anti-raciste, études post-coloniales et transnationales). Dans ce cours, l’interprétation de l’esthétique déborde largement le cadre strict des écoles philosophiques et se nourrit d’influences artistiques qui vont des Avant-gardes à la scène actuelle, d’influences théoriques qui vont du Postmodernisme à la critique contemporaine et des contributions issues des autres sciences humaines et de l’activisme.

L’enseignement vise à faire acquérir aux étudiants des méthodes de travail et de raisonnement autant que des connaissances des principes de l’esthétique, de la théorie de l’art, de la philosophie politique et de la philosophie critique. L’objectif est de favoriser l’émergence d’une méthode de travail personnelle en analysant différentes postures en jeu dans la contemporanéité.

Modalités et critères de l’évaluation :

Contrôle continu, examen oral, rendu écrit

L’évaluation se fera sur la base de la participation aux cours magistraux et sur la base de l’engagement dans les modules de lecture et discussion. Une participation active et assidue à tous les moments de l’enseignement est fortement encouragée.

Repères bibliographiques / références :

Dé-canoniser la connaissance, pluraliser les savoirs, situer le regard

Haraway, “Savoir situées” dans Manifeste cyborg et autres essais: Sciences – Fictions – Féminismes, Exils, 2007 Paris;
Braidotti, La philosophie là ou on ne l’attend pas, Larousse, Paris 2009 (chapitres choisis)
Braidotti, “Nomadism: Against Methodological Nationalism” dans Policy Futures in Education, Volume 8, Numbers 3 & 4 2010;
Mignolo, “Géopolitique de la sensibilité et du savoir. (Dé)colonialité, pensée frontalière et désobéissance épistémologique” dans Mouvements 2013/1 (n° 73), pp. 181-190;
B. Preciado, « Savoirs_Vampires@War », Multitudes 2005/1 (no 20), p. 147-147;
B. Preciado, « Multitudes queer. Notes pour une politiques des « anormaux » », Multitudes 2003/2 (no 12), p. 17-25.
Ahmed, “A phenomenology of whiteness” in Feminist Theory, 2007, 8: 149.
Luste Boulbina, Les miroirs vagabonds ou la décolonisation des savoirs (art, littérature, philosophie), Les Presses du réel, Paris 2018;

Penser à l’hauteur de la complexité du présent: de la post-modernité à la contemporanéité dans les seuils du capitalisme avancé

Braidotti, Cyberfeminism with a difference, Traduit en français par Yves Cantraine et Anne Smolar (source: FRAC Lorraine);
Agamben, Qu’est-ce qu’un dispositif, Payot Rivages, Paris 2008.
Rubin, Surveiller et jouir. Anthropologie politique du sexe, EPEL, Paris 2010 ;
B. Preciado, « Biopolitique à l’ère du capitalisme pharmacopornographique », Chimères 2010/3 (N° 74), p. 241-257
B Preciado, Testo Junkie. Sexe, drogue et biopolitique, Editions Grasset et Fasquelle, Paris 2008;

Connaissance sensible et virtualisation: une généalogie des politiques technologiques

Haraway, “Manifeste Cyborg” dans Manifeste cyborg et autres essais. Sciences, fictions, féminismes, Exils, Paris 2007;

Laboria Cuboniks, Xenofeminism: A Politics for Alienation, laboriacuboniks.net;

Haraway, Tentacular thinking. Anthropocene, Capitalocene, Chthulucene, e-flux journal #75, September 2016;
VV., « Subjectivités numériques », Revue Multitudes 2016/1(N. 61) (essais choisi)

Théorie de l’image et icolonogie contemporaines à l’épreuve de la pensée critique

Mirzoeff (ed. by), The Visual Culture Reader, Routledge, London-New York, 1998;
Alloa (sous la direction de), Penser l’image, Les Presses du Réel, Dijon 2010 (Essais choisis: contributions de Gottfried Boehm, Jean-Luc Nancy, W.J.T. Mitchell, Jacques Rancière, Georges Didi-Hubermann);
Alloa (sous la direction de), Penser l’image Volume II. Anthropologie du visuel, Les Presses du Réel, Dijon 2015 (Essais choisis: contributions de Vilém Flusser, Hans Jonas, Philippe Descola, Bruno Latour, Jan Assmann, James Elkins);

Musée, Expositions (P.R.)

Anglais - Théorie des arts et communication orale (B.V.)

Méthode d’enseignement

Deux groupes de niveau :
A2-B1 : impliquant un renfort grammatical et lexical.
B2-C1 : visant à une pratique avancée.

Objectifs du cours

Acquisition de culture artistique anglophone
Asseoir ses compétences à l’écrit et à l’oral afin de présenter ses propres productions et celles d’autres artistes.

Contenu du cours

Approche de mouvements artistiques, ex : Arts and Crafts, St Ives School, Art in the Punk Years and the Young British Artists.

Présentation de productions artistiques.

Egalement, au semestre 2 :

Rédaction d’un bilan de l’année (‘first-year review’), en imaginant une forme créative (interview, manifeste, bd, poème, lettre…). Le support peut être papier, sonore, audiovisuel… Cette “review” est insérer dans le document de synthèse demandé en fin d’année universitaire.

Modalités et critères de l’évaluation

Contrôle continu, assiduité et participation requises. Expression écrite, expression orale, production écrite, production orale. Pour en savoir plus sur les différents types d’exercices à l’oral, se référer à la fiche générale intitulée « Communication orale – 1A à 5A »

Repères bibliographiques / références

outils en ligne, support papier :

sites internet, réseaux sociaux : musées, galeries, artistes…
dictionnaires, assistants de rédaction : Collins Dictionaries, Grammarly.com, Linguee.com, Reverso Context, Wordreference.com

Carnet de recherche (P.R. & A.P.T.)

UE3 Bilan du travail plastique et théorique

Bilan - Présentation et mise en espace du travail

Grille d'évaluations année 1 - semestre 2

UE1 Initiation aux techniques et aux pratiques artistiques

Workshop avec Ivana Müller CDCN (C.T.)

Méthode d’enseignement :

Les formations se fond par la pratique en atelier.

Contenu et objectifs du cours :

Formation des bases des pratiques informatiques sur l’image, la vidéo et le son pour que les étudiant aient une certaine autonomie dans leurs productions.
Anatomie d’un ordinateur : comprendre le fonctionnement d’un ordinateur
Présentation du fonctionnement du OS du machine Apple : C’est une mise à niveau pour ceux qui ont une pratique sur le OS Window.
Formation sur les différents formats image et leur utilisation en fonction des médias (RAW,JPEG,TIFF,PNG,GIF,EPS)
Prise de vue photo au format RAW et initiation à l’étalonnage photo
Initiation des bases du logiciel Photoshop CC et de GIMP
Initiation à l’écriture filmique
Initiation à la manipulation caméra (petite et les semi pro)
Initiation à la prise de vue
Formation sur le logiciel de montage Final Cut Pro X
Formation sur le logiciel de montage gratuit DaVincy Resolve
Formation sur Illustrator

Modalités et critères de l’évaluation :

Les évaluations se font en continue où chaque étape est pointée pour évaluer la maitrise de l’étudiant en sa présence pour qu’il puisse renforcer ses points faibles. La participation, l’assiduité et l’investissement de l’étudiant fait aussi parti de l’évaluation.

Workshop Poésie sonore (A.O. & A.J.R.)

Workshop Trois regards (C.T. & B.V.)

Workshop Un point c'est tout (S.R.)

Workshop Ecriture (C.B.)

Workshop (B.J.)

Workshop Modèles Vivantes (S.S.)

Atelier volume Du multiple à l'unique (J.S.P.)

Initiation InDesign (E.R.)

Méthode d’enseignement :

Dans un premier temps, visionnage et réflexion collective autour de mise en page et de livre existant. Mettre en évidence la relation entre la nature d’un contenu et son agencement sur la page. Transposer les éléments et réflexions des productions plastiques en choix graphique et éditoriaux.

Présentation des logiciels de mise en page et apprentissage des bases : créer d’un document, la page, les marges, les styles de paragraphes, le rapport texte / image, hiérarchie des différents contenus, la typographie,…

Contextualisation des documents de synthèse et prise en compte des besoins de chacun-e.

Lors de rendez-vous individuel ou d’exercices collectifs, définition des priorités et des objectifs personnels de l’étudiant·e.

Réalisation des gabarits de textes et d’images sur quelques pages pour que l’étudiant-e puisse par la suite travailler en toute autonomie.

Approfondissement des compositions et des choix graphiques. Réflexion sur l’objet imprimé, choix du format, du type de reliure, du papier,…

Dans un second temps, visionnage des fichiers numériques et vérification ou rectification des documents au vu d’une impression papier. Réalisation d’une première maquette papier suivie de l’impression finale des documents de synthèse.

Objectifs du cours :

Utiliser les outils et les logiciels qui permettent de produire des mises en page efficaces et cohérentes, des compositions qui mettent en valeur le contenu en relation avec son support, qu’il s’agisse d’un pdf, d’un livre, d’une affiche ou tout autre support adapté.
Penser et réaliser un projet imprimé à partir d’un contenu textuel et pictural existant issu des carnets de recherche du semestre 1 et du document de synthèse à faire au semestre 2.

Contenu du cours :

Apprentissage des logiciels de mise en page et sensibilisation aux compositions et choix graphiques, de la création d’un document numérique à l’impression papier. Alternance entre temps de travail collectif et travail en autonomie, l’étudiant·e élaborera et mettra en forme le document de synthèse.

Modalités et critères de l’évaluation :

L’évaluation portera sur les capacités de l’étudiant·e à transposer ses réflexions et les éléments importants de sa production plastique en choix graphiques. Sa capacité à penser un objet imprimé dans son ensemble et à réaliser une mise en page lisible et adéquate au contenu en se saisissant des outils proposés.

Repères bibliographiques / références :

Des repères biblio-sitoragraphiques seront donnés en séances collectives et lors de rendez-vous individuels.

UE2 Histoire, théorie des arts et langue étrangère

Toute l'histoire de l'art ou presque (P.R. & K.S.)

Objectifs pédagogiques :

Découvrir l’histoire de l’art du XX^e à aujourd’hui, de manière transnationale, au prisme des relations et des influences réciproques entre l’art et les problématiques politiques et sociales.

Méthode d’enseignement et contenu :

Loin d’être un champ isolé et préservé, l’art est constamment traversé et influencé par les questions politiques et sociales qui agitent le monde contemporain. Nous nous intéresserons aux formes d’engagement artistiques et à l’intrication de l’art et du politique à travers l’histoire de l’art du XXe et du XXIe siècles. Nous explorerons comment l’art se saisit de problématiques fondamentales comme celles des inégalités sociales, des oppressions, des conflits armés, des crises écologiques, économiques et sociales, ou encore de la résistance aux idéologies et aux régimes politiques autoritaires. En tant qu’espace de réflexion, de subversion, de résistance et d’opposition, nous verrons comment l’art peut constituer une forme d’action et de transformation.

Modalités et critères de l’évaluation :

Un examen écrit au S1 et une proposition artistique accompagnée d’une note d’intention au S2.

Philosophie, théorie et actualité de l'art contemporain : Il n'y a pas de savoir innocent (S.F.)

Méthode d’enseignement :

Objectifs du cours :

Contenu du cours :

Modalités et critères de l’évaluation :

Contrôle continu, examen oral, rendu écrit

Repères bibliographiques / références :

Dé-canoniser la connaissance, pluraliser les savoirs, situer le regard

Haraway, “Savoir situées” dans Manifeste cyborg et autres essais: Sciences – Fictions – Féminismes, Exils, 2007 Paris;
Braidotti, La philosophie là ou on ne l’attend pas, Larousse, Paris 2009 (chapitres choisis)
Braidotti, “Nomadism: Against Methodological Nationalism” dans Policy Futures in Education, Volume 8, Numbers 3 & 4 2010;
Mignolo, “Géopolitique de la sensibilité et du savoir. (Dé)colonialité, pensée frontalière et désobéissance épistémologique” dans Mouvements 2013/1 (n° 73), pp. 181-190;
B. Preciado, « Savoirs_Vampires@War », Multitudes 2005/1 (no 20), p. 147-147;
B. Preciado, « Multitudes queer. Notes pour une politiques des « anormaux » », Multitudes 2003/2 (no 12), p. 17-25.
Ahmed, “A phenomenology of whiteness” in Feminist Theory, 2007, 8: 149.
Luste Boulbina, Les miroirs vagabonds ou la décolonisation des savoirs (art, littérature, philosophie), Les Presses du réel, Paris 2018;

Penser à l’hauteur de la complexité du présent: de la post-modernité à la contemporanéité dans les seuils du capitalisme avancé

Braidotti, Cyberfeminism with a difference, Traduit en français par Yves Cantraine et Anne Smolar (source: FRAC Lorraine);
Agamben, Qu’est-ce qu’un dispositif, Payot Rivages, Paris 2008.
Rubin, Surveiller et jouir. Anthropologie politique du sexe, EPEL, Paris 2010 ;
B. Preciado, « Biopolitique à l’ère du capitalisme pharmacopornographique », Chimères 2010/3 (N° 74), p. 241-257
B Preciado, Testo Junkie. Sexe, drogue et biopolitique, Editions Grasset et Fasquelle, Paris 2008;

Connaissance sensible et virtualisation: une généalogie des politiques technologiques

Haraway, “Manifeste Cyborg” dans Manifeste cyborg et autres essais. Sciences, fictions, féminismes, Exils, Paris 2007;

Laboria Cuboniks, Xenofeminism: A Politics for Alienation, laboriacuboniks.net;

Haraway, Tentacular thinking. Anthropocene, Capitalocene, Chthulucene, e-flux journal #75, September 2016;
VV., « Subjectivités numériques », Revue Multitudes 2016/1(N. 61) (essais choisi)

Théorie de l’image et icolonogie contemporaines à l’épreuve de la pensée critique

Mirzoeff (ed. by), The Visual Culture Reader, Routledge, London-New York, 1998;
Alloa (sous la direction de), Penser l’image, Les Presses du Réel, Dijon 2010 (Essais choisis: contributions de Gottfried Boehm, Jean-Luc Nancy, W.J.T. Mitchell, Jacques Rancière, Georges Didi-Hubermann);
Alloa (sous la direction de), Penser l’image Volume II. Anthropologie du visuel, Les Presses du Réel, Dijon 2015 (Essais choisis: contributions de Vilém Flusser, Hans Jonas, Philippe Descola, Bruno Latour, Jan Assmann, James Elkins);

Anglais - Théorie des Arts et Communication orale (B.V.)

Méthode d’enseignement

Deux groupes de niveau :
A2-B1 : impliquant un renfort grammatical et lexical.
B2-C1 : visant à une pratique avancée.

Objectifs du cours

Acquisition de culture artistique anglophone
Asseoir ses compétences à l’écrit et à l’oral afin de présenter ses propres productions et celles d’autres artistes.

Contenu du cours

Approche de mouvements artistiques, ex : Arts and Crafts, St Ives School, Art in the Punk Years and the Young British Artists.

Présentation de productions artistiques.

Egalement, au semestre 2 :

Modalités et critères de l’évaluation

Repères bibliographiques / références

outils en ligne, support papier :

sites internet, réseaux sociaux : musées, galeries, artistes…
dictionnaires, assistants de rédaction : Collins Dictionaries, Grammarly.com, Linguee.com, Reverso Context, Wordreference.com

Exposition, concept, sensation (P.R.)

UE3 Bilan du travail plastique et théorique

Document de synthèse (direction partagée)

Méthode d’enseignement :

Une première séance collective en début de second semestre (en suivi d’année) est destinée à présenter les objectifs, les finalités, les possibles, à partir d’exemples choisis dans les productions antérieures et de travaux éditoriaux.

Un deuxième temps, lors d’un rendez-vous individuel avec lea directeur·ice de recherches, est consacré à l’accompagnement à la recherche d’information (sources et bibliographies), à la rédaction (vocabulaire spécifique, identification des « parentés » artistiques et intellectuelles) et à la mise en forme.

NB : les rendez-vous avec l’enseignant·e directeur·ice de recherches seront pris par l’étudiant·e, de sa propre initiative.

Objectifs du cours :

Le document de synthèse est la restitution d’une analyse du travail réalisé tout au long de l’année. Il nécessite une prise de recul et une mise à distance des projets afin de mieux pouvoir se projeter dans la deuxième année. Ce travail réflexif a pour but de mettre en relief les expériences les plus significatives du parcours, à travers un document alliant des images ou des formes à un texte personnel élaboré en lien avec des auteur·es et des artistes rencontré·es lors des recherches (lectures, écoutes, visites d’expositions, etc.).

Le document de synthèse comportera un texte rédigé de 20 000 signes (± 10%). Les notes, légendes d’images, sommaire et biblio-sitographie étant en plus de ce contenu.

Contenu du cours :

Lors de temps en suivi d’année, en bibliothèque, mais surtout lors de temps dédiés au travail en autonomie, l’étudiant·e élaborera, rédigera et mettra en forme le document de synthèse, suivi par un·e enseignant·e lors de rendez-vous individuels à l’initiative de l’étudiant·e.

Le document sera présenté en fin d’année à un·e directeur·ice de recherches issu·e de l’équipe pédagogique.

Le document de synthèse sera également montré et présenté lors de l’accrochage du bilan d’année, fin mai.

Modalités et critères de l’évaluation :

L’évaluation portera sur les capacités de l’étudiant·e à amorcer une réflexion sur son travail et ses enjeux et à l’articuler avec des références artistiques, littéraires, philosophiques, etc. Seront également évaluées les qualités d’écriture et de mise en forme. Le document de synthèse sera pris en compte dans sa forme aboutie dans le cadre du bilan général du second semestre.

Repères bibliographiques / références :

Des repères biblio-sitoragraphiques seront donnés en séances collectives et lors de rendez-vous individuels.

Bilan : accrochage et présentation orale

ANNÉE 2 - Option Art

L’organisation de la phase programme, et particulièrement du semestre 3, doit permettre la consolidation des enseignements fondamentaux reçus en année 1 et le commencement d’une pratique qui tiendra compte des problématiques et des enjeux de l’art contemporain. Il est donc important pour l’étudiant de s’impliquer sérieusement dans toutes les unités de cours et de participer activement aux conférences, aux voyages et aux visites d’expositions.

Tous les cours et ateliers sont obligatoires. Au cours de ce semestre, l’ensemble des enseignements pratiques, théoriques et techniques est structuré autour de 4 modules. Ces Modules sont pensés comme des lieux, des interfaces de rencontres pluridisciplinaires qui doivent permettre à l’étudiant·e de penser sa pratique au-delà d’un medium spécifique. Les enseignements pratiques d’ateliers ou bien ceux plus théoriques ne sont pas forcément séparés, l’on pense en médium comme l’on fabrique avec la pensée, la culture et l’histoire. De même, l’on fabrique une image en peinture, en cinéma, en dessin, en histoire… Les enseignements seront donc amenés à être croisés, comme faisant partie d’espaces d’échanges et de croisements qui éclaireront les potentielles questions spécifiques des médiums par ces champs d’interrogations plus larges. Ils sont dirigés et animés par plusieurs enseignant·es. Ces enseignements croisés n’en seront pas moins nourris par des cours pratiques dispensés par les enseignant·es. L’évaluation se fondera donc à la fois à partir des réponses données à ses cours pratiques et par leur inscription dans les questionnements soulevés par les modules. Au début du semestre, chaque étudiant·e travaille sur les projets proposés par des enseignant·es en lien avec les Modules. Il.elle suit obligatoirement les séances programmées et animées par les enseignant·es. Les premières semaines sont consacrées au démarrage du travail de recherche et de mise en forme, les enseignant·es assurant le suivi du travail. Tout au long du semestre, l’étudiant·e présentera l’évolution de ses travaux.

L’étudiant de l’année 2 doit commencer à faire des stages, afin de les continuer au semestre 5 et les valider au semestre 6.

Liste des unités d'enseignements

Semestres 3
UE1 : Méthodologie, techniques et Mises en Œuvre – 16 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 8 ECTS
UE3 : Recherches et Expérimentations – 2 ECTS
UE4 : Bilan – 4 ECTS

Semestre 4
UE1 : Méthodologie, techniques et mises en oeuvre – 14 ECTS
UE2 : Histoire, théorie des arts et langue étrangère – 8 ECTS
UE3 : Recherches et expérimentations – 4 ECTS
UE4 : Bilan – 4 ECTS

Grille d'évaluations Art 2 - Semestre 3 :

UE1 Méthodologie, techniques et mises en œuvre

Atelier de Recherche et Création - Documenter le Monde (F.N.)

Atelier de Recherche et Création - Playlist Remix (M.T.)

Méthode d’enseignement :

Avec également :

Un workshop de transmission à l’ARC par les étudiant·es ayant participé à la résidence

Un workshop de drag imaginé avec les étudiant·es Emmanuel·le Garin et Faustine Stricanne

Un·e ou deux invité·es pour un ou deux workshops

Objectifs du cours :

Démystifier la performance

Produire ou interpréter des formes, gestes, textes, chansons, etc.

Travailler des formats de collaboration et/ou en collectif

Contenu du cours :

*Sur la résidence de recherche collective à Centrale Fies :

Cette résidence permettra notamment :

Une formation aux outils techniques d’un plateau scénique (lumière, son) avec un technicien de Centrale Fies
Un workshop avec l’artiste Publik Universal Frxnd (alias Richard John Jones), basé·e à Amsterdam, dont la pratique queer articule performance et musique

Modalités et critères de l’évaluation :

Atelier de Recherche et Création - Confluence (E.H.)

Méthode d’enseignement :

Objectifs du cours :

Eau qui médite, enclos du temps.

Paupière close. Un silence qui écoute.

Eric Hurtado

« L’image est au confluent de la lumière venue de l’objet et de celle qui vient du regard. » PLATON

Contenu de cours :

Chaque quinzaine, en semaine B, une des deux journées de travail de l’Arc sera consacrée à une sortie de prises de vues en extérieur sur le thème de l’eau.

Un voyage pédagogique est également prévu dans le Vercors à la grotte de Choranche.

Une exposition des travaux réalisés se tiendra à l’issue de l’Arc dans la galerie de l’École.

Modalités et critères de l’évaluation :

Repères bibliographiques / références :

Films :

Andreï Tarkovski, Stalker

Werner Herzog, Aguirre, la colère de Dieu

Michelangelo Antonioni, Gente del Po

Désert Rouge

Jean-Luc Godard, Opération Béton

Jean Giono, L’eau vive

Livres :

Robert Adams, En longeant quelques rivières, Actes Sud

Raymond Depardon, Errance. Points/Seuil

Roland Recht, La lettre de Humboldt, Christian Bourgois

Eric Hurtado, Ouvert, un chemin du visible, Pays d’Art et d’Histoire

Atelier de Recherche et Création - Sphère (B.J.)

Méthode d’enseignement :

Objectifs du cours :

Contenu du cours :

Objectifs pédagogiques

Explorer les caractéristiques formelles et esthétiques de la sphère.
Intégrer une réflexion écologique en lien avec la Terre, sphère fragile et écosystème précieux.

Thèmes d’exploration autour de la sphère

La sphère, par sa simplicité et sa perfection, offre une multitude de pistes à explorer dont voici quelques exemples : :

Forme et esthétique : géométriquement, la sphère est la forme la plus équilibrée, où chaque point de sa surface est équidistant de son centre. Dans l’histoire de l’art, elle inspire des œuvres architecturales (comme les dômes de Brunelleschi) ou sculpturales (les sphères polies d’Anish Kapoor). Comment pouvez-vous jouer avec la tridimensionnalité, les reflets, les ombres ou les illusions optiques pour réinterpréter la sphère ? Considérez les jeux de lumière, de texture ou de transparence dans votre travail.
Symbolisme et philosophie : La sphère a longtemps incarné l’idée de perfection et d’infini. Pour les anciens Grecs, elle représentait le cosmos, une harmonie universelle. Dans l’art contemporain, elle peut évoquer l’unité, l’isolement ou la cyclicité du temps. Pensez aux installations immersives de Yayoi Kusama, où les sphères répétées créent un sentiment d’infini.
Écologie et fragilité planétaire : La Terre est un écosystème complexe et vulnérable, confronté à des défis comme le changement climatique, la déforestation et la pollution. En tant qu’artistes, vous pouvez utiliser la sphère comme une métaphore pour alerter sur ces enjeux. Pensez à des matériaux de récupération ou à des installations qui évoquent la fragilité de notre environnement.

Modalités et critères de l’évaluation :

Format : Œuvre physique ou numérique.
Recherche préparatoire : Au début de l’ARC, un moment d’échange qui s’appuiera sur une présentation visuelle d’images vous proposera des pistes de travail à travers la présentation d’un certain nombre d’exemples. Le domaine de l’art est privilégié mais il sera aussi question d’architecture, selon un choix lié à la forme sphérique. Lors de cette phase préparatoire, vous ressemblerez des références visuelles, textuelles ou conceptuelles dans un carnet de recherche pour trouver votre ou vos idées. Nous discuterons ensemble de ces projets et vous passerez ensuite à la réalisation.
Production : vous aurez tout le premier semestre pour mettre au point votre réalisation. Vous produirez une œuvre dans le médium de votre choix. Il sera possible d’effectuer plusieurs travaux ou un seul s’il est suffisamment complexe pour justifier cette durée dans le temps.
Dimension écologique : Intégrez une réflexion sur l’environnement, que ce soit par le choix de matériaux durables, un message visuel sur la crise climatique ou une œuvre qui incite à repenser notre relation à la Terre.
Rythme des échanges : Je serai présent les lundi et mardi selon l’emploi du temps auquel vous devrez vous référer pour être présents à chaque fois. Les rencontres se feront de préférence de façon collective mais auront lieu également à travers des entretiens individuels.
Présentation / évaluation : Fin janvier, vos œuvres seront accrochées lors du bilan à travers un accrochage collectif dans notre salle allouée à l’ARC et donneront lieu à un échange de points de vues et d’analyses.

METHODOLOGIE :

Dessin/peinture : vous expérimenterez la forme de la sphère selon vos aspirations formelles. Les supports meuvent varier, pensez à expérimenter d’autres surfaces que le papier ou la toile.
Sculpture/installation : vous utiliserez des matériaux disponibles à l’atelier de l’école ou des matériaux de recyclage que vous aurez glané (plastique, métal, bois) ou éphémères (terre, papier) pour construire une sphère ou une composition sphérique. Vous pourrez intégrer des projections, des sons ou des animations pour créer une expérience immersive autour du thème. Dans ce sens, pensez également à solliciter le matériel disponible dans le domaine de la lumière dont dispose l’école.
Photographie/vidéo : jouez sur des paramètres de cadre, de lumière, pour construire des images dont la structure principale est sphérique. Le montage de films pourra se faire sur Final cut Pro ou Da Vinci Resolve.
Performance : Les scénarios sont ouverts : mouvements circulaires, répétition, etc. (voir Abramovic et Ulay).

Repères bibliographiques / références art et architecture :

ART :

Anish Kapoor : Ses sculptures sphériques, comme Cloud Gate, jouent avec les reflets et la monumentalité pour transformer l’espace et la perception. Sa série Sky Mirror présente également des surfaces paraboliques et circulaires.
Tara Donovan : Une artiste américaine qui utilise des matériaux du quotidien (gobelets, pailles…) pour créer des installations organiques évoquant des formes sphériques ou cellulaires.
Michelangelo Pistoletto : sa performance Newspaper Sphere interroge l’accumulation et la boulimie d’information à travers un processus d’accumulation performative.
Marina Abramovic / Ulay : Relation dans le mouvement – une performance historique entre le mythe de Sisyphe (Camus) et celui de l’Eternel Retour (Nietzsche).
Yayoi Kusama : connue pour ses motifs à pois omniprésents, elle utilise la forme ronde dans ses peintures, sculptures et installations immersives, créant des expériences infinies et psychédéliques.
Olafur Eliasson : artiste danois-islandais qui explore souvent les formes géométriques, y compris la sphère, dans des installations qui jouent avec la lumière, la perception et les phénomènes naturels. Son œuvre The Weather Project avec son immense soleil artificiel sphérique en est un exemple marquant.
Richard Long : associé au Land Art, il utilise souvent des formes géométriques simples trouvées dans la nature, comme des cercles de pierres.
Michel Verjux : Un artiste visuo-spatial contemporain, poète et théoricien de l’art, mentionné ici pour ses sculptures de lumière utilisant des projections minimalistes rondes pour des expériences physiques utilisant l’espace et l’architecture comme support.
Les artistes de l’Op Art (comme Victor Vasarely) : Bien qu’ils aient exploré diverses formes géométriques, le cercle et les formes rondes étaient essentiels pour créer des illusions d’optique de mouvement et de profondeur.
Xavier Veilhan : artiste français aux registres étendus mentionné ici essentiellement pour ses mobiles inspirés de Calder, entre équilibre et déséquilibre, dont la finalité se situe peut-être dans un processus de déstabilisation de la sculpture.
Karina Smigla Bobinsky, artiste germano-polonaise, mentionnée ici pour son installation interactive de 2018 présentant une sphère dans une pièce vide manipulable par les visiteurs.

ARCHITECTURE :

Antti Lovag : l’architecte des maisons bulles, précurseur de la blob architecture et de l’architecture organique.
Cabinet d’architecture Populous Severud Associates : La sphère de Las Vegas et son ingénierie de science-fiction.
La Blob architecture : un terme donné à un courant architectural dans lequel les bâtiments ont une forme organique molle et bombée, comme de grosses amibes.

Artistes dans l’Histoire :

Sandro Botticelli : Dans sa peinture La Madone du Magnificat, la forme circulaire (du tondo, support rond) encadre la Vierge et les anges, une forme courante à la Renaissance pour les sujets religieux.
Jérôme Bosh : La création du monde.
Ingres : Le bain turc, autre référence célèbre de peinture peint sur un tondeauen tant que peinture ronde, en écho aux rondeurs des corps.
Fernand Léger : Au début du 20e siècle, il a intégré des formes cylindriques et circulaires dans son travail, décomposant les objets en éléments géométriques. Son tableau Les Disques dans la ville en est un exemple.
Robert Delaunay et Sonia Delaunay : Pionniers de l’Orphisme, un dérivé du cubisme, ils ont utilisé des disques de couleurs et des formes circulaires pour explorer la lumière et le mouvement.

Cette liste n’est pas exhaustive. D’autres artistes seront présentés comme sources d’investigation et d’inspiration lors du commencement du workshop à la rentrée.

Annexe : La Sphère comme exploration artistique : une lecture à travers Peter Sloterdijk

Atelier de Recherche et Création - Art and the city (S.S.)

Atelier de Recherche et Création - Le Banquet (P.R. & C.B. & A.O.)